lunes, 30 de noviembre de 2009
domingo, 22 de noviembre de 2009
Milan Kundera
Nació en Brno, República Checa (entonces Checoslovaquia), el 1 de abril de 1929. Su padre, el musicólogo y pianista Ludvík Kundera (1891-1971), era director de la academia de música. Al término de la Segunda Guerra Mundial, Kundera se afilió al Partido Comunista, del que fue expulsado tras los sucesos de 1948. Tuvo que ganarse la vida con diversas ocupaciones, particularmente como pianista de jazz, instrumento que su padre le había enseñado a tocar a muy temprana edad. Aquel mismo año termina sus estudios secundarios y comienza a estudiar literatura y estética en la Universidad Carolina de Praga, pero después de dos semestres se pasa a la Facultad de Cine de la Academia de Praga, que finaliza en 1952. En 1956 se reintegró en el Partido Comunista del que fue expulsado definitivamente en 1970. Enseñó historia del cine en la Academia de Música y Arte Dramático desde 1959 a 1969, y posteriormente en el Instituto de Estudios Cinematográficos de Praga.
Su primera novela, La broma, fue traducida a doce idiomas y obtuvo en 1968 el Premio de la Unión de Escritores Checoslovacos. En 1968, a consecuencia de la invasión soviética a su país, sus obras se prohibieron y quedó desempleado.
En 1975 consiguió emigrar a Francia. Entre ese año y 1980, enseñó literatura comparada en la Universidad de Rennes, y más tarde en la École des Hautes Études de Paris.
La vida está en otra parte obtiene el Premio Médicis a la mejor novela extranjera publicada en Francia durante el año de su aparición. Su siguiente novela, La despedida, obtuvo el Premio Mondello al mejor libro editado en Italia.
En 1981, el conjunto de la obra de Kundera mereció en Estados Unidos el Commonwealth Award, premio otorgado simultáneamente al conjunto de la obra dramática de Tennessee Williams. Ese año la publicación de El libro de la risa y el olvido le valió la revocación de su ciudadanía checa.
En 1982 recibió el Premio Europa-Literatura. En 1984 publicaría La insoportable levedad del ser, considerada como una de sus obras cumbres. Ya en 1985, sería galardonado con el Premio Jerusalén. Tres años más tarde La insoportable levedad del ser sería llevada al cine de la mano del director Philip Kaufman, obteniendo un aceptable éxito.
A pesar de su militancia comunista en su juventud, Kundera se convirtió desde el inicio de su actividad literaria, en un crítico mordaz del socialismo. A su vez, su principal obra, La insoportable levedad del ser, se ha convertido en una referencia importante a la hora de intentar comprender la disidencia vivida en Europa del Este durante la Guerra Fría.
En 2006 se publica por primera vez en su país su bestseller, La insoportable levedad del ser, 22 años después de que se editara en París, Francia.
En 2007 recibe el Premio Nacional Checo de Literatura de cuya entrega se ausenta argumentando problemas de salud.
Novelas
La broma (Žert) - 1965.
La vida está en otra parte (Život je jinde) - 1969.
La despedida (Valčík na rozloučenou) - 1975.
El libro de la risa y el olvido (Kniha smíchu a zapomnění) - 1978.
La insoportable levedad del ser (Nesnesitelná lehkost bytí) - 1984.
La inmortalidad (Nesmrtelnost) - 1988.
La lentitud (La Lenteur) - 1994.
La identidad (L'Identité) - 1996.
La ignorancia (L'Ignorance) - 2000.
Su primera novela, La broma, fue traducida a doce idiomas y obtuvo en 1968 el Premio de la Unión de Escritores Checoslovacos. En 1968, a consecuencia de la invasión soviética a su país, sus obras se prohibieron y quedó desempleado.
En 1975 consiguió emigrar a Francia. Entre ese año y 1980, enseñó literatura comparada en la Universidad de Rennes, y más tarde en la École des Hautes Études de Paris.
La vida está en otra parte obtiene el Premio Médicis a la mejor novela extranjera publicada en Francia durante el año de su aparición. Su siguiente novela, La despedida, obtuvo el Premio Mondello al mejor libro editado en Italia.
En 1981, el conjunto de la obra de Kundera mereció en Estados Unidos el Commonwealth Award, premio otorgado simultáneamente al conjunto de la obra dramática de Tennessee Williams. Ese año la publicación de El libro de la risa y el olvido le valió la revocación de su ciudadanía checa.
En 1982 recibió el Premio Europa-Literatura. En 1984 publicaría La insoportable levedad del ser, considerada como una de sus obras cumbres. Ya en 1985, sería galardonado con el Premio Jerusalén. Tres años más tarde La insoportable levedad del ser sería llevada al cine de la mano del director Philip Kaufman, obteniendo un aceptable éxito.
A pesar de su militancia comunista en su juventud, Kundera se convirtió desde el inicio de su actividad literaria, en un crítico mordaz del socialismo. A su vez, su principal obra, La insoportable levedad del ser, se ha convertido en una referencia importante a la hora de intentar comprender la disidencia vivida en Europa del Este durante la Guerra Fría.
En 2006 se publica por primera vez en su país su bestseller, La insoportable levedad del ser, 22 años después de que se editara en París, Francia.
En 2007 recibe el Premio Nacional Checo de Literatura de cuya entrega se ausenta argumentando problemas de salud.
Novelas
La broma (Žert) - 1965.
La vida está en otra parte (Život je jinde) - 1969.
La despedida (Valčík na rozloučenou) - 1975.
El libro de la risa y el olvido (Kniha smíchu a zapomnění) - 1978.
La insoportable levedad del ser (Nesnesitelná lehkost bytí) - 1984.
La inmortalidad (Nesmrtelnost) - 1988.
La lentitud (La Lenteur) - 1994.
La identidad (L'Identité) - 1996.
La ignorancia (L'Ignorance) - 2000.
LA LENTITUD.
Milan Kundera se sirve a la vez de una novela francesa del siglo XVIII y de una excursión que a él y a su mujer se les antoja hacer a un castillo de Francia convertido en hotel, para ir dando vida a una serie de personajes del pasado y del presente que terminan coincidiendo en un congreso de entomólogos que se celebra en sus salones. Personajes e historias de ayer y de hoy van entrelazándose de tal manera que a nadie sorprendera, por ejemplo, que un hombre enfundado en un casco de motociclista, azorado e impaciente, se aleje en su moto a toda velocidad, mientras otro, con una peluca blanca, adormilado y ensimismado, se sube a una calesa que parece salida de una estampa del pasado : el primero desea sin duda dejar algo tras de sí a toda prisa ; el segundo, en cambio, parece disponerse a rememorar, al paso lento del caballo, la noche que acaba de pasar con la intrigante y seductora Madame de T.
RELIGION
Religión
Juan Pablo I
Juan Pablo II
Juan XXIII
Pablo VI
Madre Teresa
Dalai Lama
La religion catolica en el peru es una organizacion de personas creyentes en un dios "padre", un hijo "jesucristo" y un espiritu
santo, cada miembro de la organizacion tiene que estar bautizado, realizar la primera comunion, confirmacion y finalmente creer y practicar los sacramentos de la iglesia (bautizo, primera comunion, confirmacion, uncion de los enfermos, sacerdocio, constituye tambien una necesidad el practicar y cumplir los mandamientos de la iglesia.
La organizacion de personas "hermanos" tiene como base principal practicar las buenas costumbres y transmitirlas a la sociedad, haciendo prevalecer la moral, la etica y las buenas relaciones con los habitantes de un determinado lugar.
Existen otras organizaciones religiosas creyentes en la virgen maria (revelaciones o apariciones en algunos lugares del mundo de imagenes femeninas, a quienes se les ha dado un nombre ejemplo la virgen de la o, la virgen de guadalupe, etc...) y los santos que en muchos casos realizan milagros ante los ojos de gente ingenua o nos curan de alguna enfermedad.
Dentro de los santos en nuestro pais el Peru conocemos a San Francisco de Asis, segun cuentan su historia el era muy amigo de los gatos, perros y ratones, esto se ha podido apreciar en cuadros de lienzos pintandos por artistas de la asociacion de pintores del peru.
Cuando la creo el mundo de acuerdo a Dios, los primeros animales fueron de gran tamaño entre mamiferos de tierra, acuaticos y aves, no se hablo de los perros como primeros habitantes; pero como tienen cuatro extremidades se supone que en esos milenios hubo mamiferos similares, que consumian carnes de acuerdo al Nuevo Testamento.
Juan Pablo I
Juan Pablo II
Juan XXIII
Pablo VI
Madre Teresa
Dalai Lama
La religion catolica en el peru es una organizacion de personas creyentes en un dios "padre", un hijo "jesucristo" y un espiritu
santo, cada miembro de la organizacion tiene que estar bautizado, realizar la primera comunion, confirmacion y finalmente creer y practicar los sacramentos de la iglesia (bautizo, primera comunion, confirmacion, uncion de los enfermos, sacerdocio, constituye tambien una necesidad el practicar y cumplir los mandamientos de la iglesia.
La organizacion de personas "hermanos" tiene como base principal practicar las buenas costumbres y transmitirlas a la sociedad, haciendo prevalecer la moral, la etica y las buenas relaciones con los habitantes de un determinado lugar.
Existen otras organizaciones religiosas creyentes en la virgen maria (revelaciones o apariciones en algunos lugares del mundo de imagenes femeninas, a quienes se les ha dado un nombre ejemplo la virgen de la o, la virgen de guadalupe, etc...) y los santos que en muchos casos realizan milagros ante los ojos de gente ingenua o nos curan de alguna enfermedad.
Dentro de los santos en nuestro pais el Peru conocemos a San Francisco de Asis, segun cuentan su historia el era muy amigo de los gatos, perros y ratones, esto se ha podido apreciar en cuadros de lienzos pintandos por artistas de la asociacion de pintores del peru.
Cuando la creo el mundo de acuerdo a Dios, los primeros animales fueron de gran tamaño entre mamiferos de tierra, acuaticos y aves, no se hablo de los perros como primeros habitantes; pero como tienen cuatro extremidades se supone que en esos milenios hubo mamiferos similares, que consumian carnes de acuerdo al Nuevo Testamento.
ESCULTURA
El espíritu rupturista de las denominadas vanguardias históricas, que revolucionaron el mundo del arte durante las primeras décadas del siglo XX, reavivó el interés por la escultura, que había permanecido en segundo plano en épocas anteriores.
La escultura de la segunda mitad del siglo XX
Después del final de la Segunda Guerra Mundial,muchas de las grandes personalidades de la escultura de vanguardia del primer tercio de siglo continuaron su producción sin grandes cambios evolutivos.
Junto a los ya citados Duchamp, Miró o Giacometti, desarrollaron sus singulares estilos una serie de escultores que aportaron visiones e interpretaciones muy personales y que, en buena medida, influirían en los movimientos plásticos de fin de siglo. Cabe destacar entre ellos a los siguientes:
David Smith (1906-1965) realizó obras de un estilo rígidamente abstracto, precursor del minimal art.
Alexander Calder (1898-1976), norteamericano, como el anterior, fue el creador de los singulares móviles, conjuntos de piezas de hierro, pintadas y articuladas, que constituyeron el primer antecedente de la escultura cinética.
Jorge Oteiza (1908) y Eduardo Chillida desplegaron una plástica esquemática en sus planteamientos, pero incorporando elementos naturalistas.
Henry Moore, por último, desarrolló sobre premisas muy personales una obra encuadrada dentro del organicismo, en la que adquiría especial importancia la figura humana deformada a través de huecos, líneas curvas y grandes volúmenes.
La década de los sesenta fue un periodo de renovación de los planteamientos estéticos de la escultura. La era del pop art abrió paso a la exaltación visual de lo doméstico, expuesto de la manera más descarnada. En este movimiento destacaron Claes Oldenburg (n. en 1919), y George Segal (n. en 1924) y Duane Hanson (n. en 1925), que centraron su creación en los vaciados en plástico de modelos humanos propios de la era de la publicidad.
Sobre la premisa de prescindir del elemento humano como medio de expresión, la escultura de las últimas décadas del siglo XX experimentó una serie de transformaciones que dieron lugar a escuelas específicas como las que se enumeran a continuación:
La corriente arte povera italiana utilizó materiales de desecho sin ninguna tradición escultórica, como trapos, muebles viejos o residuos de todo tipo.
El minimal art redujo a su expresión más exigua la expresividad de los objetos, con frecuente recurso a juegos de iluminación e instalaciones provisionales.
El land art propuso la intervención del escultor en la naturaleza para emplearla como medio de expresión.
La tendencia a prescindir de la perspectiva humana se rompería con el llamado body art, en el que el propio cuerpo humano hace las veces de soporte de la obra escultórica.
La escultura de la segunda mitad del siglo XX
Después del final de la Segunda Guerra Mundial,muchas de las grandes personalidades de la escultura de vanguardia del primer tercio de siglo continuaron su producción sin grandes cambios evolutivos.
Junto a los ya citados Duchamp, Miró o Giacometti, desarrollaron sus singulares estilos una serie de escultores que aportaron visiones e interpretaciones muy personales y que, en buena medida, influirían en los movimientos plásticos de fin de siglo. Cabe destacar entre ellos a los siguientes:
David Smith (1906-1965) realizó obras de un estilo rígidamente abstracto, precursor del minimal art.
Alexander Calder (1898-1976), norteamericano, como el anterior, fue el creador de los singulares móviles, conjuntos de piezas de hierro, pintadas y articuladas, que constituyeron el primer antecedente de la escultura cinética.
Jorge Oteiza (1908) y Eduardo Chillida desplegaron una plástica esquemática en sus planteamientos, pero incorporando elementos naturalistas.
Henry Moore, por último, desarrolló sobre premisas muy personales una obra encuadrada dentro del organicismo, en la que adquiría especial importancia la figura humana deformada a través de huecos, líneas curvas y grandes volúmenes.
La década de los sesenta fue un periodo de renovación de los planteamientos estéticos de la escultura. La era del pop art abrió paso a la exaltación visual de lo doméstico, expuesto de la manera más descarnada. En este movimiento destacaron Claes Oldenburg (n. en 1919), y George Segal (n. en 1924) y Duane Hanson (n. en 1925), que centraron su creación en los vaciados en plástico de modelos humanos propios de la era de la publicidad.
Sobre la premisa de prescindir del elemento humano como medio de expresión, la escultura de las últimas décadas del siglo XX experimentó una serie de transformaciones que dieron lugar a escuelas específicas como las que se enumeran a continuación:
La corriente arte povera italiana utilizó materiales de desecho sin ninguna tradición escultórica, como trapos, muebles viejos o residuos de todo tipo.
El minimal art redujo a su expresión más exigua la expresividad de los objetos, con frecuente recurso a juegos de iluminación e instalaciones provisionales.
El land art propuso la intervención del escultor en la naturaleza para emplearla como medio de expresión.
La tendencia a prescindir de la perspectiva humana se rompería con el llamado body art, en el que el propio cuerpo humano hace las veces de soporte de la obra escultórica.
ARQUITECTURA
La arquitectura del siglo XX está dominada por el funcionalismo. No se trata de un movimiento artístico, sino de un principio estético racionalista que se manifiesta en obras adscritas a diferentes tendencias. Se enraíza en planteamientos muy antiguos de la cultura occidental y queda definido de forma sencilla en palabras de Louis Sullivan (1896): "La forma siempre sigue a la función". Como es obvio, el funcionalismo se desarrolló sobre todo en los campos del diseño y la arquitectura, puesto que en ambos la "función" de la obra marca necesariamente la forma.
El arquitecto Adolf Loos denunció a principios de siglo el exceso de ornamentación de la arquitectura modernista.
Arquitéctura del siglo XX
Estilo postmoderno
Este estilo tiene un doble código. Por un lado, se mantiene vinculado al estil racionalista y acepta algunas posiciones del tardomoderno para comunicarse con una élite cultural; por otro lado, intenta comunicarse con el público en general y que éste lo acepte. La posición postmoderna es atractiva porque, intentando ser aceptada, llega a alcanzar unos resultados sorprendentes y espectaculares. Entre los arquitectos más representativos de este estilo están: Michael Graves, Robert Venturi y Ricardo Bofill.
Arquitectura actual
El panorama del último decenio del siglo XX resulta atractivo, no tanto por la existencia de un programa o de unas tendencias generalizadas, sino por la obra, a veces colosal, de algunos arquitectos. Hay figuras que pueden definir el final de este siglo: el canadiense Frank Ghery, el español Rafael Moneo y el ingeniero, también español, Santiago Calatrava.
El arquitecto Adolf Loos denunció a principios de siglo el exceso de ornamentación de la arquitectura modernista.
Arquitéctura del siglo XX
Estilo postmoderno
Este estilo tiene un doble código. Por un lado, se mantiene vinculado al estil racionalista y acepta algunas posiciones del tardomoderno para comunicarse con una élite cultural; por otro lado, intenta comunicarse con el público en general y que éste lo acepte. La posición postmoderna es atractiva porque, intentando ser aceptada, llega a alcanzar unos resultados sorprendentes y espectaculares. Entre los arquitectos más representativos de este estilo están: Michael Graves, Robert Venturi y Ricardo Bofill.
Arquitectura actual
El panorama del último decenio del siglo XX resulta atractivo, no tanto por la existencia de un programa o de unas tendencias generalizadas, sino por la obra, a veces colosal, de algunos arquitectos. Hay figuras que pueden definir el final de este siglo: el canadiense Frank Ghery, el español Rafael Moneo y el ingeniero, también español, Santiago Calatrava.
MUSICA
ESTILOS DE MÚSICA DEL SIGLO XX
1.EXPRESIONISMO (ATONALISMO)
•Atonalismo libre: lenguaje musical no organizado, uso del cromatismo, suprime las cadenas y valora la disonancia
•Dodecafonismo: es una serie de 12 sonidos de la escala cromática, puestos al azar, sin repetir ninguna nota mientras no termine la serie.
•"Príncipe" del Expresionismo: Schoenberg.
1.IMPRESIONISMO
•Ponen en crisis el sistema tonal , se valora el timbre y se rompe con la armonía tonal. Representados por Claude Debussy y Maurice Ravel.
1.MÚSICA ALEATORIA
•Es música que nunca suena igual cada vez que se vuelve a interpretar. Está presente el azar como parte de la interpretación.
•Consiste en dejar parte de la obra para la improvisación del intérprete. Se combina con elementos como palmadas, gritos y ruidos de la calle
•Principal exponente: John Cage, el cual crea el piano preparado (coloca
encima de las cuerdas objetos para cambiar los sonidos).
ESTILOS DE MÚSICA DEL SIGLO XX
1.EXPRESIONISMO (ATONALISMO)
•Atonalismo libre: lenguaje musical no organizado, uso del cromatismo, suprime las cadenas y valora la disonancia
•Dodecafonismo: es una serie de 12 sonidos de la escala cromática, puestos al azar, sin repetir ninguna nota mientras no termine la serie.
•"Príncipe" del Expresionismo: Schoenberg.
1.IMPRESIONISMO
•Ponen en crisis el sistema tonal , se valora el timbre y se rompe con la armonía tonal. Representados por Claude Debussy y Maurice Ravel.
1.MÚSICA ALEATORIA
•Es música que nunca suena igual cada vez que se vuelve a interpretar. Está presente el azar como parte de la interpretación.
•Consiste en dejar parte de la obra para la improvisación del intérprete. Se combina con elementos como palmadas, gritos y ruidos de la calle
•Principal exponente: John Cage, el cual crea el piano preparado (coloca
encima de las cuerdas objetos para cambiar los sonidos).
ESTILOS DE MÚSICA DEL SIGLO XX
1.EXPRESIONISMO (ATONALISMO)
•Atonalismo libre: lenguaje musical no organizado, uso del cromatismo, suprime las cadenas y valora la disonancia
•Dodecafonismo: es una serie de 12 sonidos de la escala cromática, puestos al azar, sin repetir ninguna nota mientras no termine la serie.
•"Príncipe" del Expresionismo: Schoenberg.
1.IMPRESIONISMO
•Ponen en crisis el sistema tonal , se valora el timbre y se rompe con la armonía tonal. Representados por Claude Debussy y Maurice Ravel.
1.MÚSICA ALEATORIA
•Es música que nunca suena igual cada vez que se vuelve a interpretar. Está presente el azar como parte de la interpretación.
•Consiste en dejar parte de la obra para la improvisación del intérprete. Se combina con elementos como palmadas, gritos y ruidos de la calle
•Principal exponente: John Cage, el cual crea el piano preparado (coloca
encima de las cuerdas objetos para cambiar los sonidos).
1.MÚSICA FUSIÓN
•Combina elementos de 2 o más estilos musicales.
•Comenzó en los años '70 con los experimentos jazzísticos de Miles Davis.
•Busca originalidad a través de la dicotomía y produce nuevos caracteres musicales.
•Sus creadores tienen en común la investigación instrumental y el deseo de reivindicar la tradición musical de los 2 pueblos del mundo.
•Los estilos de este tipo de música son interminables.
1.MINIMALISMO
•Música que funciona a partir de materiales limitados o mínimos.
•Búsqueda de nuevos sonidos.
•Utilización de instrumentos electrónicos.
•Obras que usan algunas notas o palabras como también instrumentos muy limitados u objetos de uso cotidiano (vasos, ruedas, etc.), ruidos de la naturaleza (ríos, cursos del agua), y ruidos electrónicos por largo tiempo.
•Aparecen aparatos generadores de sonido como el sintetizador.
•Se controla con mayor precisión los parámetros del sonido al poder crear nuevos sonidos.
•Compositores: Steve Reich, John Adams y Phillip Glass.
1.EXPRESIONISMO (ATONALISMO)
•Atonalismo libre: lenguaje musical no organizado, uso del cromatismo, suprime las cadenas y valora la disonancia
•Dodecafonismo: es una serie de 12 sonidos de la escala cromática, puestos al azar, sin repetir ninguna nota mientras no termine la serie.
•"Príncipe" del Expresionismo: Schoenberg.
1.IMPRESIONISMO
•Ponen en crisis el sistema tonal , se valora el timbre y se rompe con la armonía tonal. Representados por Claude Debussy y Maurice Ravel.
1.MÚSICA ALEATORIA
•Es música que nunca suena igual cada vez que se vuelve a interpretar. Está presente el azar como parte de la interpretación.
•Consiste en dejar parte de la obra para la improvisación del intérprete. Se combina con elementos como palmadas, gritos y ruidos de la calle
•Principal exponente: John Cage, el cual crea el piano preparado (coloca
encima de las cuerdas objetos para cambiar los sonidos).
ESTILOS DE MÚSICA DEL SIGLO XX
1.EXPRESIONISMO (ATONALISMO)
•Atonalismo libre: lenguaje musical no organizado, uso del cromatismo, suprime las cadenas y valora la disonancia
•Dodecafonismo: es una serie de 12 sonidos de la escala cromática, puestos al azar, sin repetir ninguna nota mientras no termine la serie.
•"Príncipe" del Expresionismo: Schoenberg.
1.IMPRESIONISMO
•Ponen en crisis el sistema tonal , se valora el timbre y se rompe con la armonía tonal. Representados por Claude Debussy y Maurice Ravel.
1.MÚSICA ALEATORIA
•Es música que nunca suena igual cada vez que se vuelve a interpretar. Está presente el azar como parte de la interpretación.
•Consiste en dejar parte de la obra para la improvisación del intérprete. Se combina con elementos como palmadas, gritos y ruidos de la calle
•Principal exponente: John Cage, el cual crea el piano preparado (coloca
encima de las cuerdas objetos para cambiar los sonidos).
ESTILOS DE MÚSICA DEL SIGLO XX
1.EXPRESIONISMO (ATONALISMO)
•Atonalismo libre: lenguaje musical no organizado, uso del cromatismo, suprime las cadenas y valora la disonancia
•Dodecafonismo: es una serie de 12 sonidos de la escala cromática, puestos al azar, sin repetir ninguna nota mientras no termine la serie.
•"Príncipe" del Expresionismo: Schoenberg.
1.IMPRESIONISMO
•Ponen en crisis el sistema tonal , se valora el timbre y se rompe con la armonía tonal. Representados por Claude Debussy y Maurice Ravel.
1.MÚSICA ALEATORIA
•Es música que nunca suena igual cada vez que se vuelve a interpretar. Está presente el azar como parte de la interpretación.
•Consiste en dejar parte de la obra para la improvisación del intérprete. Se combina con elementos como palmadas, gritos y ruidos de la calle
•Principal exponente: John Cage, el cual crea el piano preparado (coloca
encima de las cuerdas objetos para cambiar los sonidos).
1.MÚSICA FUSIÓN
•Combina elementos de 2 o más estilos musicales.
•Comenzó en los años '70 con los experimentos jazzísticos de Miles Davis.
•Busca originalidad a través de la dicotomía y produce nuevos caracteres musicales.
•Sus creadores tienen en común la investigación instrumental y el deseo de reivindicar la tradición musical de los 2 pueblos del mundo.
•Los estilos de este tipo de música son interminables.
1.MINIMALISMO
•Música que funciona a partir de materiales limitados o mínimos.
•Búsqueda de nuevos sonidos.
•Utilización de instrumentos electrónicos.
•Obras que usan algunas notas o palabras como también instrumentos muy limitados u objetos de uso cotidiano (vasos, ruedas, etc.), ruidos de la naturaleza (ríos, cursos del agua), y ruidos electrónicos por largo tiempo.
•Aparecen aparatos generadores de sonido como el sintetizador.
•Se controla con mayor precisión los parámetros del sonido al poder crear nuevos sonidos.
•Compositores: Steve Reich, John Adams y Phillip Glass.
PINTURA
La pintura del siglo XX se caracterizó por la aparición de los movimientos “ismos”. El fauvismo es uno de ellos, representó una reacción en contra del impresionismo apostando por el color y el objeto, que los pintores de final de siglo habían reducido a tonalidades luminosas.
No menos importante fue el cubismo , estilo que utilizaba la perspectiva convencional ni los colores de la realidad ni tampoco un punto de vista único; un sentido más austero del arte los hacía inclinar por los tonos neutros: grises, blancos, verdes claros; los ángulos de observación del objeto se multiplican para obtener de esta cuarta dimensión a partir de la suma de todas las perspectivas; los interiores son representados mediante transparencias, la luz desaparece definitivamente y la exaltación del plano se hace más intensa que en el fauvismo.
El futurismo fue otro de los movimientos pictóricos surgido en el siglo XX. Una de las características de este estilo fue el hecho de adjudicar a los objetos diferentes posiciones sobre un plano, con la intención de representar el movimiento. Consecuentemente, pintaban caballos, perros y figuras humanas con más de una cabeza.
El dadaísmo también nació en el siglo XX, caracterizado principalmente por su oposición a la burguesía y por pintar cuadros que mostraran una inventiva inagotable.
Por último, el surrealismo presentaba una cierta cohesión de escuela: animación del mundo inanimado, metamorfosi, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, perspectivas vacías
No menos importante fue el cubismo , estilo que utilizaba la perspectiva convencional ni los colores de la realidad ni tampoco un punto de vista único; un sentido más austero del arte los hacía inclinar por los tonos neutros: grises, blancos, verdes claros; los ángulos de observación del objeto se multiplican para obtener de esta cuarta dimensión a partir de la suma de todas las perspectivas; los interiores son representados mediante transparencias, la luz desaparece definitivamente y la exaltación del plano se hace más intensa que en el fauvismo.
El futurismo fue otro de los movimientos pictóricos surgido en el siglo XX. Una de las características de este estilo fue el hecho de adjudicar a los objetos diferentes posiciones sobre un plano, con la intención de representar el movimiento. Consecuentemente, pintaban caballos, perros y figuras humanas con más de una cabeza.
El dadaísmo también nació en el siglo XX, caracterizado principalmente por su oposición a la burguesía y por pintar cuadros que mostraran una inventiva inagotable.
Por último, el surrealismo presentaba una cierta cohesión de escuela: animación del mundo inanimado, metamorfosi, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, perspectivas vacías
VESTIMENTA
A principios del siglo, la levita y el frac cayeron en desuso como vestidos de diario y fueron sustituidos por el saco. Apareció también el chaqué (en ingles jacket) una especie de levita con faldones abiertos o separados por delante, que se llevaba con plastrón (corbata ancha). El frac, fue sustituido por el "smoking" como traje de noche, chaqueta negra con solapas de seda. En lugar del sombrero de copa, surgió el sombrero de hongo, de copa aovada (con forma de huevo) y chata, confeccionado con fieltro o castor. En verano, se usaban sombreros de canotie, de copa plana y baja (arrete) este de estructura rígida y el otro, el sombrero de jipijapa, flexible y de ala ancha. La clase obrera adopto la gorra de visera y prescindió de muchas prendas típicas del vestuario burgués. La prenda básica de la ropa masculina era la camisa, con un cuello suelto y almidonado. Mujeres y hombres usaban para dormir el camisón, prenda larga y holgada. Debajo de la camisa se llevaba la camiseta, prenda corta y ajustada al cuerpo y elaborada de algodón, lana o seda. Los zapatos y botines se usaban solo para la casa. Posteriormente el camisón de dormir se vio desplazado por la pijama o piyama, compuesta por un pantalón y blusa ligera. Al generalizarse la costumbre de tomar baños en las playas, surgió el traje de baño, cuya breve historia muestra una singular evolución. Al principio llevaba mangas hasta los codos y perneras que cubrían los muslos, pero después fue sintetizándose para dar paso a la malla o maillot. La transformación llego hasta el actual "bikini" y el traje de baño de los hombres. El hombre no tardo en dejar de usar el chaleco y adopto diversas prendas de lana, tales como el sweater o suéter. Para protegerse de la lluvia el hombre usa el impermeable; usa también chaquetas de cuero o sacos con cinturón. En las damas la falda ha ido acortándose hasta llegar a la minifalda y el uso de los pantalones en la mujer. En la actualidad las prendas de vestir se confeccionan principalmente con materiales sintéticos y fibras artificiales.
GASTRONOMIA.
Una de las características más importantes de la comida rápida, es que se consume sin el empleo de cubiertos, algunos de estos ejemplos son pizza, hamburguesas, pollo frito, tacos, sandwiches, papas fritas, aros de cebolla, etc. Adicional a esta característica es que en la mayoría de los establecimientos de comida rápida no hay camareros (tampoco servicio de mesa) y las personas deben hacer una fila para pedir y pagar su comida, que es entregada en el instante para que posteriormente pueda ir a sentarse a disfrutar su comida, también se tiene que recoger la comida (como en casa). La mayoría de los lugares suele tener una ventanilla en donde puede ordenarse la comida desde el automóvil (Drive-In) para comerla en casa o en algún otro lugar
Debido a que el concepto de la comida rápida se basa en velocidad, uniformidad y bajo costo, la comida rápida se hace a menudo con los ingredientes formulados para alcanzar un cierto sabor o consistencia y para preservar frescura. Esto requiere un alto grado de ingeniería del alimento, el uso de añadidos y las técnicas de proceso que alteran substancialmente el alimento de su forma original y reducen su valor alimenticio. Esto hace que sea habitualmente calificada de comida basura o comida chatarra.
Esta propuesta de articular todas las texturas, aromas y sabores de los platos en torno al micri, aunque no exenta de originalidad, es conceptualmente demasiado monótona y simplista. Quizás por ello, Sánchez Romera, un cocinero con práctica científica, pues no en vano es neurólogo de profesión, no se atrevió a emplear el término constructivismo, más radical y comprometido con la vanguardia, para definir su cocina. Lo cierto es que nunca sabremos si el nombre construccionismo fue escogido para no desvirtuar la concepción artística de su obra, o porque con este vocablo de mayor literalidad Sánchez Romera pretendió enfatizar la idea de edificar todos sus platos con la argamasa de su invención llamada micri. Por que si no, construir recetas combinando armónicamente todos los ingredientes para obtener sabores compuestos es lo que ha hecho la cocina clásica francesa durante décadas.
Debido a que el concepto de la comida rápida se basa en velocidad, uniformidad y bajo costo, la comida rápida se hace a menudo con los ingredientes formulados para alcanzar un cierto sabor o consistencia y para preservar frescura. Esto requiere un alto grado de ingeniería del alimento, el uso de añadidos y las técnicas de proceso que alteran substancialmente el alimento de su forma original y reducen su valor alimenticio. Esto hace que sea habitualmente calificada de comida basura o comida chatarra.
Esta propuesta de articular todas las texturas, aromas y sabores de los platos en torno al micri, aunque no exenta de originalidad, es conceptualmente demasiado monótona y simplista. Quizás por ello, Sánchez Romera, un cocinero con práctica científica, pues no en vano es neurólogo de profesión, no se atrevió a emplear el término constructivismo, más radical y comprometido con la vanguardia, para definir su cocina. Lo cierto es que nunca sabremos si el nombre construccionismo fue escogido para no desvirtuar la concepción artística de su obra, o porque con este vocablo de mayor literalidad Sánchez Romera pretendió enfatizar la idea de edificar todos sus platos con la argamasa de su invención llamada micri. Por que si no, construir recetas combinando armónicamente todos los ingredientes para obtener sabores compuestos es lo que ha hecho la cocina clásica francesa durante décadas.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)